Jorge Pineda, La confusión y el caos controlado en su entropía

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El periódico La Vanguardia de Barcelona del día 15, que también tiene circulación nacional, ilustró uno de sus artículos sobre ARCO con esta imagen, que ya había salido en el suplemento El Cultural del periódico El Mundo en un especial sobre la feria. Este mismo periódico de tirada nacional publicó en la sección cultural diaria del día 14, otra de las obras de Jorge Pineda titulada Mambrú y que estará este año en el proyecto sobre el arte del caribe curado por Tumelo Musaka para el Brooklyn Museum de Nueva York. Al final del segundo día de la Feria ARCO, se había vendido la totalidad de las obras expuestas por Jorge Pineda: nueve dibujos de la serie “Niñas Locas” y seis de gran formato de la serie “Niños Malos”. El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) que ya tenía una instalación de este artista, adquirió recientemente otros nueve dibujos de la serie “Niñas Locas” para fondos de su colección.

District & Co presenta ENTROPÍA y sobre ella y el arte en general hablamos con Jorge Pineda.

FC: ¿De qué va esta exposición? ¿De qué va Entropía?
JP: El nombre surge de una exposición anterior que hice en Madrid, había una pieza que se llama Entropía, que significa el caos en el caos, o los discursos confusos en medio de muchos discursos confusos. Algo parecido a lo que está pasando en nuestro país, un caos dentro del caos. Toda esa versión pervertida de la verdad.

FC: ¿Y esta pieza, la pieza principal de la exposición que se encuentra en medio de la sala de exposición, está montada ya, o es que la están montando?
JP: No, ya esa es la instalación. Y habla de cómo a partir de cosas que están destruidas se pueden levantar cosas positivas.

FC: ¿Cuáles materiales usaste en esa pieza?
JP: Cartón corrugado. Como te dije, cuando se habla de mercado, piezas como éstas provocan confusión. Lo que uno hace en estos casos, con estas instalaciones, es preparar un proyecto o manual para que la pieza se pueda reconstruir una y otra vez. La realización del artista dentro de un contexto artesanal no trasciende, no es importante. Yo le entrego una especie de libro o plano con las piezas para que la puedan reconstruir cada vez que quieran.

FC: Pero una instalación no es siempre la misma. Cambia, es un ser mutante.
JP: Así es, es como en el teatro, cada representación es distinta.

FC: ¿Y eso no le quita permanencia al mensaje de la obra?
JP: Es que eso le pasa a toda obra, si tu miras la Capilla Sixtina hoy la estarás viendo con ojos y mentalidad distintos. Se hace más fuerte con el tiempo, se transforma cada día.

FC: ¿Qué tipo de gente compra este tipo de manifestación artística?
JP: Hay un libro que se llama “coleccionar arte contemporáneo”, no recuerdo el autor ahora mismo, pero es una colección de opiniones de coleccionista sobre qué es arte y porqué coleccionan arte. Es un libro que todo coleccionista o galerista debería tener.

FC: Lo conozco, está editado por Taschen. Pero en el caso tuyo, ¿Quién compra?
JP: Casi siempre museos. El IVAM me compró una instalación, así mismo el Museo de Castilla y León, el Centro León, eso es en el caso de las instalaciones y en las obras de gran formato, pero también coleccionistas individuales.

FC: Utilizas muchas veces la imagen del niño garabateando una pared. A mi me recordó un pasaje del Paradiso de Lezama Lima donde hay un niño que hace eso. En tu caso ¿qué tratas de decir o que significa para ti, porque lo has utilizado varias veces, no?
JP: Siempre, como artista, uno tiene una idea que uno quiere expresar, pero la gente la pone cosas nuevas, que son sus referentes. Pero en esa pieza quiero decir, para mí, ese niño significa a la sociedad dominicana, que es muy joven, muy inmadura. Es como algo que puede ser constructivo también puede ser destructivo.

FC: ¿Pero lo haces como denuncia social?
JP: No, es una reflexión personal. El niño con sus manos y el lápiz o el carbón puede construir o destruir su futuro.

FC: También vi en la exposición “Frágil” he visto mujeres con máscaras o vendadas, ¿Qué es, son fetiches eróticos?
JP: Puede ser.

FC: ¿Puede ser o soy yo que lo veo así?
JP: Eres tú.

FC: Pero también podría ser la máscara en el sentido del teatro griego. La representación de la “personae” o personaje que actúa en la sociedad.
JP: Así es, yo soy un fanático de la psicología Jungueana, él menciona como se construye la persona, que es la máscara del individuo. La parte del individuo, que él llama la sombra, esa parte que el hombre oculta lo hace con una máscara social.

FC: Tú participas mucho en concursos y bienales, ¿crees que son recomendables para darse a conocer?
JP: Yo creo que son muy buenos para los artistas jóvenes, para que los conozcan en el medio. Tenemos la suerte de que los concursos aquí son muy abiertos. En el caso de las bienales ya es más complicado, porque hay muchos cedazos, muchas eliminatorias. Ya el hecho de participar en una Bienal famosa, como la de Venecia o de Cuenca, ya es un reconocimiento. Aunque te puedo decir que los concursos y bienales no están maduros todavía, te lo digo porque creo que hay mucha gente que no son profesionales que participan de los jurados de selección, y por otro lado, también participan muchos pintores o expositores que no son profesionales. Gente que pinta sólo para un concurso o para una bienal, casi de hobby, y eso confunde mucho a los jurados y al público. Esto es una profesión que en el caso mío yo me levanto a las seis de la mañana y comienzo a trabajar, hasta la tarde, tengo un hábito de trabajo diario. Y eso es bueno, pues no se puede dejar todo a las musas, el hábito de trabajo crea mucho, aunque algunos crean que es un hallazgo ocasional no lo es así. El trabajo diario te hace creativo. El mundo del arte es tan exigente como el mundo de las finanzas, necesita concentración extrema.

FC: Muchas gracias en nombre de Mirada al Arte.
JP: Gracias a ustedes.

Por Fernando Casanova | Fotos: Ricardo Rojas