Arturo Salazar. “La mejor cubanía en la zona colonial”

Su trabajo demuestra un dominio de las técnicas más depuradas en pintura, así como un gran interés por el mundo caribeño. Su serie de islas del Caribe y todo su colorido nos enseñan lo mejor de la cubanía. Pintor, grabador, restaurador… imposible no ver en él un artista. En el sentido más profundo de la palabra.

Más Información

FC: Arturo, su trabajo se conoce aquí más como restaurador que como pintor, ¿cómo llega a República Dominicana?
AS: Mi llegada a Santo Domingo se produce a raíz del Festival “De origen caribeño” en Santiago de Cuba. Eso fue en 1991. Como sabrás, yo soy del Oriente cubano, de Santiago de Cuba. En aquel tiempo yo estaba trabajando en la Escuela de Artes Plásticas, era subdirector de la escuela provincial de Artes Plásticas, y se hizo un evento cultural que agrupaba todos los centros artísticos y que vinculaba a todo lo que tiene que ver con el arte en un solo festival. Ese año el festival fue dedicado a Santo Domingo. Allí estuvieron Guillo Robles, que hoy trabaja en la Secretaria de Cultura, también Luz Severino entre otros artistas dominicanos. Ese fue mi primer contacto con el arte dominicano.

FC: ¿Qué llevaron los dominicanos a ese festival?
AS: Fue una delegación muy variada y se le dio mucha cobertura mediática. De ese festival surgió la idea de hacer una presentación cubana en Santo Domingo y apareció una invitación a Carlos Parra, Miguel Ríos, Ismael Tamayo, José Seoane y a un servidor, todos artistas, para hacer exposiciones colectivas básicamente en Santo Domingo. En esa primera ocasión quien impulsó la invitación fue el Museo de Arte Moderno y su Patronato para el Museo, presidido por Frank Marino Hernández, una persona muy importante para mi posterior desarrollo aquí. El museo lo dirigía Porfirio Herrera, o sea que era un gran binomio de personas ligadas a la gestión artística. Expusimos alrededor de 30 obras sobre papel. Esas obras en estos momentos están, en gran parte, en la colección del difunto Frank Marino, y otra parte en la de Eduardo Selman que las adquirió por compra.

FC: ¿Qué era básicamente? ¿Dibujo?
AS: Digamos que era dibujo, pero todo era sobre papel. En esa época yo no estaba trabajando sobre tela.

FC: ¿Había una temática específica que definiera la exposición o su trabajo particular?
AS: Mi trabajo era libre en ese momento, yo estaba trabajando la serie “Astilleros” y, en el color eran formas abstractas. Uno viene de esa escuela cubana que trabajamos básicamente con casi todos los grises, con cierta falta o ausencia de color. En esa ocasión nos pasamos unos meses invitados por esas instituciones, realizamos varias actividades y de ahí regresamos a Cuba.

FC: ¿Desertó alguno?
AS: No, nosotros pasamos la prueba ante las autoridades cubanas. Luego en 1992 Frank Marino Hernández volvió a invitarnos para actividades más específicas, ya que en ese viaje vinimos un pintor retratista y vienen también Emmanuel Pozo, y Carlos Pajio.

FC: ¿Cómo se identifica, como dibujante, como grabador, como restaurador, como pintor, como quiere que le vea la gente?
AS: Yo veo la posibilidad de las artes plásticas como un abanico, donde puedes desarrollar todas esas manifestaciones. Los soportes sencillamente son los medios que hay. Ahora, la parte emocional, lo que tú tienes que decir, es lo que hace que vayas seleccionando de acuerdo a ese estado de ánimo. Para mí es muy difícil encasillarme en una técnica, en alguna forma, por eso mi obra es muy variada. Yo empecé con figuración, después pasé a la abstracción y de la abstracción paso a una figuración abstracta, en un momento donde yo empiezo a elaborar ideas y cosas. Claro, he desarrollado más el dibujo porque tiene que ver con mi formación que fue el grabado. Me siento bien como grabador-grabador o grabador-dibujante, trabajando sobre láminas de zinc, trabajando sobre piedra, trabajando sobre la madera, trabajando sobre la plancha de metal.

FC: ¿Hay obras suyas aquí que el público pueda ir a ver?
AS: De esa etapa no, no tengo del grabado. Todo lo dejé en Cuba, porque como es parte del patrimonio nacional no se puede sacar, es decir, en ese momento no podía sacar nada de eso. Las obras que yo traigo son obras que empiezo a elaborar a partir de esa invitación. No podíamos sacar ninguna de las obras que habían participado en concursos, en eventos. En Santo Domingo no he hecho producción de grabados, debido a que el grabado en Santo Domingo no está definido como parte de las artes. Es una pena, lo mismo pasa con el dibujo, al que los coleccionistas no le dan el valor que tiene, cree erróneamente que el trabajo sobre papel es inferior. Están equivocados.

FC: ¿Los coleccionistas creen que tiene menos valor?
AS: Así es. Las primeras personas que me compran dibujos aquí, cuando yo les llevé una carpeta con ciento y pico de dibujos son Gamal Michelen y Juan José Mesa. Los primeros que dijeron, espera un momento, no te me vayas, y fue la primera venta que yo hice aquí. Pero esos dos son distintos al resto de galeristas, dan al dibujo el valor que tiene.

FC: ¿Y el trabajo de restaurador?
AS: Arturo Salazar aparece como restaurador porque empieza a trabajar directamente en el que era el taller de Frank Marino Hernández, que en ese momento era una oficina, pero luego aparece como la Casa Peynado en la Calle Mercedes. Formo parte del equipo de restauración de esa galería.

FC: ¿Tenía experiencia como restaurador o parte de su experiencia como pintor?
AS: La formación en restauración la recibí en Cuba, porque allá se daban una cantidad de asignaturas y dentro de ellas está conservación de las obras, allí hay muchas cosas para conservar por eso nos aplicamos bien en esa área. Luego uno se va desarrollando y ya vas a un nivel superior, ya como escultor, como diseñador, dibujante, o especializándote.

FC: ¿Hay cultura de restauración en Dominicana?
AS: En todas partes siempre han sido muy escasos los talleres de restauración de obras de arte y, en nuestro país, me siento un poco dominicano ya, ha sido igual. Hay varias razones para ello, entre ellas, que las facultades de arte en las universidades no forman restauradores, sino que lo tienen como una materia más. La dan en una conferencia, como cultura general. Otra razón es que, al no existir talleres especializados, los propietarios de obras y galerías no tienen confianza de que sus obras van a estar cuidadas y protegidas y que si son estropeadas puedan recibir del restaurador o de la compañía de seguros de éste el resarcimiento por el daño. En mi caso, he trabajado la restauración por muchos años porque un grupo de galerías y coleccionistas privados han tenido confianza en mi trabajo. Que yo conozca y me vengan a la memoria, los pocos coleccionistas y galerista que se preocupan por restaurar obras de arte son: Juan José Mesa, Gamal Michelén, Miñín Soto, Frank Marino Hernández, y Margarita Auffant.

FC: ¿Cuál es el soporte más delicado para restaurar?
AS: El papel, porque tiende a dañarse con más rapidez. Esa es una característica del clima en que estamos ubicados, otra porque no aplican los fijadores o a veces no se utilizan materiales de calidad. Esos son elementos que intervienen a que ese soporte no tenga perdurabilidad. La restauración es un mundo más técnico, más específico, porque tienes que conocer muchas cosas e ir combinando la pasión de reponer, con la posibilidad técnica, saber qué necesita ese soporte, con qué material lo debes agarrar y, qué reacción va a tener. Los barnices, qué barniz necesita, eso es parte de la restauración.

FC: ¿En el taller de Frank Marino, en Casa de Peynado trabajaba solamente para la colección o hacía trabajos como un negocio para el público general?
AS: Se comenzó a trabajar a partir de la colección de Frank Marino, ahí tuve la oportunidad de trabajar con obras de Picasso, de Lam, de Amelia Peláez… se trabajó en restauración y luego en conservación. En limpiar, en eliminar todo posible daño futuro.

FC: ¿Me dice que trabajaba en obras de Picasso, de Wilfredo Lam?
AS: Así es, y también de Amelia Peláez, de artistas dominicanos importantes como Oviedo, Bidó, Hernández Ortega, Condecito Ramírez,… la colección de Frank Marino es importante, ojalá que no desaparezca ahora que desgraciadamente ha muerto

FC: ¿Y de los hispanos-dominicanos como Vela Zanetti, Gausachs, Manolo Pascual?
AS: Esa colección tiene de todo. También he trabajado en otras colecciones como la de la familia de Mayra de Pellerano, tuve la suerte de restaurar parte de sus obras. Y pasa algo interesante, porque también mi esposa, Betty Pérez, se incorpora a esa casa de restauración y conservación, ella es la que realiza la parte de los tejidos, la parte de reconstrucción de la tela, es una artista zurciendo telas, alfombras. Reconstruye los faltantes que tiene los soportes en tela. Entonces nos convertimos en un equipo y ahora, en nuestro taller propio, trabajamos en equipo.

FC: ¿Hay muchos restauradores?
AS: No hay muchos, no. La restauración necesita de recursos, de conocimiento por parte del propietario de la obra. Por suerte ustedes, Mirada al Arte, están haciendo un buen trabajo de divulgación. He visto que en la revista siempre salen artículo sobre restauración y eso me alegra, es decir, que están haciendo ya la parte informativa, la gente está recibiendo información. Es necesario tener obras en perfectas condiciones, porque ya que vas a hacer una inversión de una cantidad X de dinero, viéndolo desde el punto de vista económico, debes conservarla y proteger esa inversión. Además esas obras son parte del patrimonio artístico del país y son para la historia. También he tenido la oportunidad de trabajar con la gran colección del Banco Popular, a través de Justo Liberato que es el encargado. También con la colección de Edmón Elías.

FC: ¿Qué producción propia ha hecho en el país?
AS: Mi primera exposición, fue en la biblioteca República Dominicana (1991), individual; la segunda fue en el Centro de Cultura Hispánica (1995); en el 1998, en el Banco Central, compartida con Oscar Carballo. Tuvo buena aceptación, pero lo importante fue el reconocimiento. Ya en el año 2000, empiezo a realizar otras exposiciones, en la Casa de Italia, y en este año, 2007, en la galería Río Gallery en Nueva York.

FC: ¿En Nueva York?, ¿sobre qué trató la exposición?
AS: Esa exposición fue algo interesante, la hice en la Río Gallery, que es un centro cultural que trabaja con la comunidad dominicana radicada en Nueva York. Es como lo que se hace en el Museo Del Barrio, pero que sus actividades se hacen en ese espacio, en esa galería. Allí llevé dibujos y óleos sobre tela.

FC: ¿Se considera artista dominicano o cubano?
AS: Yo creo que uno se debe al mundo. Yo nací en Cuba, tengo ya mucho tiempo viviendo en Dominicana, y me siento como uno de aquí, me gusta la gente y la cultura de este país, y te diré que tiene muchos parecidos con Cuba. Hoy, precisamente, estuvimos analizando que el artista es un poco más abierto, que no está limitado por fronteras, es universal. Yo creo que en el lugar donde tú te sientas bien, que es lo que me ha pasado a mí en Santo Domingo, eres de ahí. Yo asumo mi comportamiento, mi actitud, mis relaciones como un dominicano y como un cubano, sin distinciones específicas. Mi esposa es dominicana, mis hijos nacieron en Santo Domingo, ésta es mi segunda patria. Me siento muy tranquilo y aceptado en este país. Hay un respeto y una admiración que yo siempre lo he valorado. Primero porque mis mejores relaciones han sido directamente con dominicanos, como es el caso de Frank Marino, que en tres ocasiones me invitó, y la atención que he recibido por las galerías de Juan José Mesa, de Miñín Soto, de Michelén, de Edmón Elías, creo que hay un respeto hacia mi trabajo y mi persona.

FC: ¿Y ahora en qué está trabajando?
AS: En el dibujo. En dibujo que combino con la acuarela, y un poco de técnica mixta. El papel en este momento para mí es lo más importante. Y en la tela empiezo a buscar las soluciones más intimistas, es decir, empiezo a buscar, tal vez, mi pasado, una necesidad de algo de lo que me ha pasado. Así aparece una línea que finalmente ha tenido una buena aceptación, que es la línea de la serie “la isla de Cuba”. Pero no la isla de Cuba como la que se puede ver desde el punto de vista político y desde el punto de vista cerrado, sino como la ve un cubano, un pintor desde afuera, ya que generalmente los artistas la hemos trabajado desde adentro hacia fuera, pero en mi caso es desde afuera. ¿Que pasa con esa isla que está con nosotros desde afuera? Me he dado a la tarea de trabajar de nuevo en esa serie. Hace ya 15 años que salí de Cuba.

FC: Pero tiene contacto con el arte cubano.
AS: Con todos los artistas. Este taller, éste lugar se ha convertido en una casa-taller de la cultura cubana en Dominicana. Es una cosa muy jocosa, interesante digamos, que cuando se hizo la primera exposición en la galería Nader sobre arte cubano, la función cultural y social, las reuniones se hacían aquí con el agregado cultural. Aquí se reunieron cerca de 30 artistas y compartieron.

FC: ¿O sea que su relación con la delegación oficial cubana aquí es buena?
AS: Si, no hay ningún problema.

FC: El arte cubano que se está vendiendo últimamente está muy influenciado por los trabajos de Tomás Sánchez, que son esos grandes follajes, esas nieblas, esos riachuelos, y esos grandes espacios rurales, ¿no cree que eso está etiquetando a la pintura cubana y, creo yo, que ya lo que se está haciendo es más de lo mismo sin el talento de Tomás Sánchez?
AS: Yo diría dos cosas: Tomás Sánchez empieza su paisaje, pero no fue un concepto muy metafísico, en un tiempo, pues el paisaje en Cuba era apartado, solitario, vacío de gente. En esa época a nadie le interesaba el paisaje, existía una tendencia (estamos hablando de los 70 y pico) a un arte más de confrontación, de crítica social y Tomás Sánchez siempre respetó esa línea. Qué pasa en estos tiempos, hay dos versiones, uno del pintor paisajista y otro del pintor contestatario.

FC: ¿Contestatario al régimen o a tendencias artísticas?
AS: Diciendo cosas del sistema. Digamos como a la hora de Leo, como la obra de Cacho, pintores reciente, jóvenes que abordan esos temas. La realidad no la puedes negar, pero también están los que, como explicabas, caen en una repetición, a veces sin aportes estéticos que desde mi punto de vista se limitan con tal de vender. Aparece una tendencia en estos momentos que pudiéramos decir que es una pintura de vanguardia, pero que tiene que ver con una necesidad un poco económica, un poco de decir cosas, un poco de que aparezca un galerista, de que en un momento determinado diga, "oye, tu obra me interesa, es interesante vamos a trabajarla." pero hay algo que está pasando que yo digo que es un planteamiento nuevo. Pero en Cuba, los cubanos conocen a sus artistas, allí recuerda que hay una política cultural, donde los estudiantes, los pioneros, participan en secciones de visitas a los museos y en los museos van conociendo su historia y sus artistas.

FC: ¿En el extranjero se conoce el arte cubano que se está haciendo en la isla?
AS: Digamos que sí. El arte cubano se conoce fuera de nuestras fronteras, porque existe una política cultural que nos hace partícipe de actividades fuera de la isla. El caso mío es un ejemplo, yo participé en exhibiciones aquí, y también en las que se hicieron en los países del este europeo. Pero también están los músicos y cantantes que han hecho estilo en el mundo entero.

FC: ¿Y sobre los artistas anteriores a la Revolución de Fidel Castro?
AS: Esos se conocen más, Wilfredo Lam, Alejo Carpentier, Porto Carrero, Emilio Peláez y un montón de otros artistas de todos los géneros que se conocen mundialmente. Cuando llegas a Miami, esa otra parte de Cuba, de lo que se habla es de arte cubano, lo mismo cuando vas a España

FC: Tiene mucho tiempo viviendo aquí y se relaciona con los pintores, con las galerías, ¿cómo ve el arte dominicano?
AS: Hay una etapa interesante que se está produciendo, muy interesante; porque ya las galerías, no tanto el pintor, sino las galerías están entendiendo que hay que abrirse. Antes te encontrabas que se mostraban las obras de los artistas de siempre, los mismos nombres, ya no. Ya hay un Omar Molina, una Mirna Ledesma, una Luz Severino. Antes yo veía que para que esos expusieran era difícil, pero ya los jóvenes valores forman parte de ese grupo de artistas que pueden exponer, porque las galerías están cambiando su visión.

Por Fernando Casanova | Fotos: Mirada al arte